Met Gala 2022: Tudo o que você precisa saber sobre o tema deste ano

Quando as celebridades forem ao tapete vermelho do Met Gala, em Nova York, na próxima segunda-feira, 2 de maio, provavelmente não haverá falta de espartilhos e anquinhas.

Isso porque o código de vestimenta para o evento deste ano, organizado pelo Metropolitan Museum of Art’s Costume Institute, é “Gilded Glamour and White Tie”, fazendo referência à era da extravagância da moda americana nas últimas décadas do século 19, quando a industrialização amplificou rapidamente a diferença de riquezas do país.

Este Met Gala acompanha a segunda parte da exposição do Costume Institute, “In America: An Anthology of Fashion”, lançada em setembro e que deu o tom dos looks no evento do ano passado.

E embora aparentemente sempre haja um grau de flexibilidade quando os participantes da lista vip interpretam o tema (“O que é mais americano do que uma camiseta da cabeça aos pés?!”, disse Kim Kardashian ao usar um look Balenciaga preto em 2021), esta edição dará aos convidados a chance de satisfazer suas aspirações mais ousadas.

“Foi um período muito exagerado, muito estruturado”, disse a historiadora de moda e curadora Kate Strasdin sobre o estilo Gilded Age em uma entrevista por vídeo. “Parece tão estranho em comparação com a maneira como pensamos sobre o vestido agora.”

A Era Dourada foi um período de 30 anos durante o qual industriais e magnatas do setor imobiliário viram suas fortunas ascenderem a alturas impressionantes graças à rápida expansão de trens, fábricas e centros urbanos.

Nomes de família famosas, incluindo Frick, Astor, Carnegie, Rockefeller e Vanderbilt, moldaram a infraestrutura dos Estados Unidos, e as socialites da época, incluindo Caroline Schermerhorn Astor e Alva Vanderbilt, governaram a sociedade de Nova York.

Para a elite, a moda tornou-se máxima, com rendas e guarnições de cristais e até asas de pássaros – os chapeleiros da época usavam tantas penas, asas e pássaros mortos empalhados em seus chapéus que culminou na formação da Audubon Society, para a proteção de aves, em 1895, segundo a organização.

Sob seus vestidos que realçam o traseiro, as mulheres americanas usavam roupas íntimas complicadas, incluindo espartilhos, almofadas de ombro acolchoadas, almofadas de anquinhas, crinolinas (uma forma de anágua estruturada) e até molas de aço para obter a forma certa, embora as silhuetas fossem simplificadas no final do século.

A moda masculina também era altamente formal, com o smoking recém-popular na década de 1880 tornando-se o vestido padrão para cavalheiros de alto escalão.

Com foco em estilistas americanos no evento, alguns deles, sem dúvida, enfrentarão a grandeza do desafio, como Jeremy Scott, da Moschino, cujas opulentas referências históricas incluíram o envio de cestos inspirados no século 18 pela passarela.

As celebridades também podem recorrer a Christian Siriano ou Pyer Moss para suas peças de alta costura exageradas e altamente estruturais, ou relembrar os designs vintage de Alexander McQueen que usavam aceno para a época, como crinolinas enjauladas. Os espartilhos já se infiltraram no tapete vermelho ultimamente, com Olivia Rodrigo, Doja Cat e Dua Lipa ostentando-os no Grammy no mês passado.

Símbolos de status

Durante a Era Dourada, você era o que vestia, como observou Strasdin. Era o período em que a marca das casas de moda era um conceito novo. Muitas mulheres americanas da época compravam seus vestidos de garantia de status em Paris dos pioneiros da alta costura: Charles Worth, Jacques Doucet, Paul Poiret e Madame Jeanne Paquin, a última das quais mostrou seus designs modernos inovadores na Feira Mundial de 1900.

De acordo com Strasdin, as costureiras americanas não teriam seu momento até que a Primeira Guerra Mundial interrompesse o fornecimento de produtos europeus para os EUA.

“As mulheres americanas estão realmente tendo que viajar para lá, então esse é o primeiro sinal de enorme riqueza – chegar lá para as provas”, contou ela. “Então, tornou-se como os influenciadores do Instagram agora – (as mulheres) voltavam com vestidos que as pessoas sabiam que tinham comprado em Paris.”

Em uma época em que o “dinheiro antigo” zombava do “dinheiro novo”, como a recém-acumulada fortuna ferroviária dos Vanderbilts, era importante estar bem conectado com a cultura europeia.

Quando Alva Vanderbilt, na esperança de ser aceita nos altos escalões da sociedade, lançou uma fúria do século 19 por sua mansão recém-concluída no centro da cidade, apelidada de Petit Chateau, as fotografias mostram que ela usava um elaborado vestido de estilo veneziano destinado a imitar a moda da era renascentista.

Enquanto isso, sua cunhada, Alice, usava um vestido espetacular conhecido como vestido de “luz elétrica” ​​do salão House of Worth de Charles Worth. Ela combinou o visual com uma tocha de mão que levantou acima da cabeça em uma foto posada para se assemelhar à Estátua da Liberdade.

“O vestido em si (tinha) todos os tipos de enfeites que foram projetados para captar a luz”, disse Strasdin. “E então ela tinha uma lanterna elétrica que era realmente de ponta na época. Ficou na história como uma das roupas icônicas do período.”

Guerras de espartilho

Mas mesmo quando o pêndulo da moda pendeu para o formal e elaborado, o Movimento Estético underground começou a encorajar as mulheres a se desfazerem de seus espartilhos na década de 1870, contrariando as convenções sociais da era industrial.

Seus membros femininos boêmios usavam vestidos “artísticos” folgados em público que eram considerados chocantes por sua associação com roupas íntimas. (Os estetas masculinos, como Oscar Wilde, também eram menosprezados por suas chamadas declarações de alfaiataria feminizadas.)

Embora o movimento não tenha mudado muito os códigos de vestimenta públicos para as mulheres, as silhuetas pegaram um pouco nas casas particulares das mulheres ricas.

Entre na roupa de lazer romântica, o “vestido de chá” – um precursor elaborado do “vestido de soneca” viral de 2020 – embora, de acordo com Strasdin, muitos vestidos de chá ainda escondiam “um corpete desossado robusto” por baixo do tecido. Vários desses vestidos de Adelaide Frick, esposa do industrial e colecionador de arte Henry Clay Frick, residem no The Frick em Pittsburgh, que abriga vários designs da Era Dourada.

A rica história de alfaiataria da época já ganhou alguma atenção no início deste ano com a série “A Idade Dourada”, que estreou em janeiro passado na HBO.

A série segue duas jovens mulheres que se envolvem na vida da sociedade de Nova York, navegando na paisagem em mudança do dinheiro antigo e novo. A figurinista principal do programa, Kasia Walicka-Maimone, que vestiu os atores Cynthia Nixon, Louisa Jacobson, Denée Benton e Carrie Coon de acordo com suas diferentes origens e aspirações sociais, disse à “Variety” em janeiro que sua equipe teve “sorte” de trazer a era para a tela .

“É um período que nos dá muito para experimentar e brincar”, disse ela.

Os participantes do Met Gala deste ano podem não reproduzir os estilos exatos de um século e meio atrás, mas Strasdin acha o tema apropriado para suas ressonâncias hoje, incluindo o impacto de socialites ricas (que fazem fortuna com a influência da internet em vez de fábricas de aço) para a modernização das casas de moda.

“Será ótimo ver um aceno para todo o embelezamento… E uma celebração desse tipo de exagero”, disse ela. “Com toda a exuberância de cores e formas.”

“E talvez alguns chapéus malucos.”

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