Druk – Mais uma Rodada: Como um filme sobre bebedeira se tornou sucesso do Oscar
Obra cinematográfica concorre aos prêmios de melhor filme em línguaestrangeira e melhor direção; Premiação será realizada neste domingo
Em um mundo justo, as salas do circuito de premiação anual, cheias de bebidas alcoólicas, teriam passado os últimos meses brindando Thomas Vinterberg. O diretor de “Druk – Mais uma Rodada”, indicado ao Oscar, já colecionou vários prêmios, incluindo um BAFTA, para seu filme sobre um quarteto de professores dinamarqueses que embarcam em um experimento com bebidas para se livrarem do tédio da meia-idade.
Se algum dia um filme foi adequado para os rituais de bacanal da temporada do Oscar, poderíamos dizer que seria este. Infelizmente, a pandemia aconteceu.
Estrelado por Mads Mikkelsen, ao lado de outros conhecidos por Vinterberg, como Thomas Bo Larsen, Magnus Millang e Lars Ranthe, os personagens do filme Martin, Tommy, Nikolaj e Peter testam uma hipótese psuedo-científica de que os humanos nascem com menos álcool no sangue do que o necessário para um desempenho ideal.
Procurando retificar isso (e mais um pouco), eles bebem durante o dia todo, dão goles em garrafas esportivas, cheiram bebidas destiladas e engolem coquetéis Sazerac de conhaque e absinto, registrando suas descobertas à medida em que avançam. Mas, conforme começam a ver os benefícios, surgem também problemas em suas vidas pessoais.
À primeira vista, o olhar bem-humorado em aprender a encontrar a felicidade novamente parece muito distante das raízes de Vinterberg, em Dogme 95, o movimento cinematográfico radical que ele co-fundou na década de 1990, que rejeitou as convenções cinematográficas, denunciou o artifício da indústria e até proibiu crédito aos diretores. E, no entanto, elementos indiscutivelmente permanecem no DNA do filme.
Qualquer que seja a leitura do filme que você faça, o sucesso de bilheteria e reconhecimento no Oscar – onde é indicado para melhor filme em língua estrangeira e Vinterberg para melhor diretor – representa um passo notável na carreira do dinamarquês.
É também notável que o filme exista de fato. Em 2019, Vinterberg passou por uma terrível tragédia pessoal, quando sua filha Ida morreu em um acidente de carro. Ela havia sido escolhida para atuar no filme, que foi gravado em locações na escola dela. O projeto entrou em um hiato; quando o diretor voltasse, ele faria o filme mais edificante de sua carreira.
Às vésperas do Oscar, neste domingo (25 de abril), a CNN conversou com Vinterberg sobre o que torna uma boa performance bêbada, como o filme “Druk – Mais uma Rodada” se conecta com seu outro trabalho e como encontrar um propósito maior em um set de filmagem.
A entrevista a seguir foi editada por questões de extensão e clareza
CNN: Parabéns pela vitória no BAFTA. Como você a celebrou?
Thomas Vinterberg: Com um whisky sour e um pouco de champanhe. Foi uma ótima noite.
Eu me perguntei se você tinha optado por um Sazerac…
Bem, nós tomamos alguns Sazeracs em vários momentos.
Falando nisso, eu gostaria de perguntar sobre a colônia de treinamento para bêbados que vocês fizeram para preparação, onde seus atores beberam e mediram o teor de álcool no sangue (TAS) assim como fazem no filme.
Foi uma experiência deliciosa, mas também muito trabalho árduo, para ser honesto. Atuar é interessante, porque quando você tem que transmitir algo, trata-se muito de esconder o que você quer transmitir. É a mesma coisa quando você está bêbado. Você esconde que está bêbado; você mede seus movimentos, se senta e se levanta reto e tenta andar em linha reta. Mas o que realmente tínhamos que ensaiar eram coisas técnicas como articulação, ou falta de articulação. E então o que acontece acima de 1,0 (% TAS), quando você fica fisicamente desafiado por beber. É aí que começa a parecer bobo na tela, e é isso que é tão difícil, então ensaiamos muito.
Eu li que, em certo ponto, este filme seria uma celebração total do álcool. Quando você decidiu alterar essa abordagem?
Bem no início do processo. Descobrimos que fazer uma provocação pura era um pouco arrogante, jovial e limitado demais, e achamos mais grandioso e verdadeiro contar toda a história sobre o álcool. Isso é algo que eu normalmente evito, mas senti a obrigação moral. Conheço pessoas que perderam a vida devido ao álcool, assim como o (escritor) Tobias Lindholm.
Este filme é distintamente dinamarquês – você não pode separá-lo de seu contexto. Você falou sobre essa ideia, que por meio da especificidade você pode se conectar com um público mais amplo. Você acha que a indústria está em um bom lugar agora para cineastas independentes, e cineastas que trabalham fora do inglês, poderem contar suas histórias sem a necessidade de se comprometer ou ir para a generalização?
Tenho dito isso, que o nível de especificidade é o que o torna universal. Outros filmes que vi este ano – em “Nomadland”, “Minari” e outros – vivem dessa especificidade, e é isso que os torna ricos. E também é assim com “Druk – Mais uma Rodada”; ele tão próprio de solo dinamarquês e na cultura de bebida dinamarquesa.
Tive que escrever sobre algo que sei. Portanto, não se tratou apenas da Dinamarca, mas da escola da minha filha, do bairro em que moro e dos professores que conheci na vida. E eu escrevi para meus amigos – especificamente para esses quatro atores. Familiaridade e especificidade foram incrivelmente importantes para torná-lo verossímil.
Você descreveu este como provavelmente o filme mais honesto que já fez. Você poderia explicar isso?
Quando fiz meu filme de graduação, “Last Round” (1993), foi tão ingênuo, tão aberto e desprotegido. E então eu cresci, fiz uma carreira, me tornei famoso e cada vez mais corrompido e intencional. E isso é uma batalha constante contra essas coisas. Nesse caso, eu senti que era tão importante desde o início que era cru e honesto, ou então perderia todos os elementos de valor; seria apenas uma provocação boba. Então perdi minha filha e ficamos todos paralisados de tristeza. E acho que nos desarmou completamente e nos deixou muito abertos. Não sei como explicar. É como se o filme assumisse o controle de si mesmo e nós apenas o seguíssemos.
Você se afastou da produção após a morte de sua filha e voltou. O que te fez voltar?
Isso me deu um propósito na vida e me manteve longe da queda livre. E eu senti que havia um propósito maior em fazer um filme para ela. Antes de sua morte, era uma ambição fazer um filme de afirmação da vida; isso se tornou uma necessidade. Queria celebrar a vida que perdemos tão facilmente.
Ter um lugar para ir de manhã já foi uma grande ajuda. Eles (os atores) me carregaram, eu acho. Eles dedicaram toda a sua vida a isso, assim como a equipe de filmagem, e agora está nas telas e para homenagear a memória dela.
Eu queria voltar para 1998 e seu filme “Festa de Família” (o primeiro filme Dogme). Tanto o personagem principal naquele filme, quanto neste, bebem uma taça de vinho, e ambas as narrativas giram em torno daquele momento. Pode ter sido uma coincidência, mas “Druk – Mais uma Rodada” está em diálogo com algum de seus filmes anteriores?
Não é intencional, mas obviamente é uma espécie de assinatura. Acho que tem muito em comum com toda a minha carreira, esse filme. Tem a ver principalmente com toda a coisa do Dogme, porque é sobre um grupo de pessoas embarcando em um projeto maluco sem saber se isso vai acabar bem ou mal, e isso cria muito amor e solidariedade entre eles, porque está conectado a um elemento de risco.
O copo de vinho em “Festa de Família” serve exatamente ao mesmo propósito. É como se fosse um acordo que você faz consigo mesmo e ao seu redor: agora as coisas vão sair do controle. E em ambos os filmes, trata-se de controle. Em (“Druk – Mais uma Rodada”), eles estão propositalmente tentando perder o controle, porque o controle assumiu suas vidas.
Falando do Dogme, esse filme termina num momento catártico, onde temos uma peça musical adicional perfeita – algo que não permitido pelo manifesto Dogme. Olhando para trás, você vê os benefícios de quebrar suas próprias regras?
Então você está dizendo que isso está muito longe de ser um filme Dogme?
Bem, é e não é…
Se eu colocasse o chapéu da Irmandade (Dogme), este seria considerado um filme muito decadente, porque está cheio dos meus próprios gostos. Está cheio de mim, e era disso que tentávamos nos abster na época do Dogme – o que era obviamente impossível, porque quanto mais nos despíamos, mais personalizado ficava. Então, estávamos meio que presos às nossas próprias regras.
Este não é um filme Dogme, mesmo assim algumas das mesmas virtudes foram usadas. É um filme portátil. É um filme que tem arestas; é acidentado. É uma espécie de besta incontrolável. Não usamos pontuação para suavizar. Nós o deixamos viver através de sua irregularidade, e isso nos deu o mesmo elemento de honestidade, eu acho.
Eu estava falando com a equipe de produção de “Nomadland”, e eles mencionaram Dogme ao descrever abordagem deles. Como você se sente em relação a essa ideia que você desenvolveu rapidamente –
(Em) meia hora.
Como você se sentiu tantos anos depois, sobre Dogme encontrar seu caminho na vida de diferentes cineastas em diferentes partes do mundo, em contextos totalmente diferentes?
Estou muito orgulhoso. Foi uma limpeza completa da produção de filmes e foi um belo espelho de se ter. Se eu disser, ‘agora estamos colocando uma lâmpada’ (no set), pensamos sobre por que o fazemos. Quando colocamos pontuação, é porque queremos dizer algo a você, não apenas porque é assim que você o faz. Tiramos as convenções do cinema e entendo por que outros cineastas precisam desse espelho às vezes.
Por último, quais são seus planos para a noite do Oscar?
Meu plano é me vestir bem e tentar manter a calma. E à noite, tomarei um Sazerac, com certeza.
(Texto traduzido, clique aqui e leia o original em inglês).
